Venus, lo último en coros virtuales de la mano de Soundiron

Nunca habíamos hablado por aquí de software musical, hay webs muy buenas, como Hispasonic, que se de dedican a eso (y a muchas más cosas) y lo hacen muy bien. Pero quizá si podríamos hablar de vez en cuando de algún software especializado en la construcción de arreglos musicales como son las librerías que nos ayudan a interpretar instrumentos reales desde el teclado, algo que esta viviendo en estos últimos tiempos sus años dorados.

Poder imitar un coro sinfónico en nuestro estudio, en nuestra casa, era algo que parecía imposible hace una década y que pudimos empezar a imaginar hace unos pocos años con la aparición de la librería Symphonics Choirs de East West y que (aún con algunas obvias limitaciones) es prácticamente una realidad hoy en día.

Desde el comienzo de los samplers comenzaron a aparecer librerías vocales que podíamos “disparar” mediante un teclado o un secuenciador, normalmente reproducian solo vocales sostenidas: Ah, eh..., algunas consonantes como “mh”, simulando el sonido de un coro cantando a “boca cerrada” y con suerte algún efecto especial.

East West lanzo a finales de 2004 (si no me equivoco) Symphonic choirs, que integraba un Plugin que permitía poner letra a cada una de las notas que se tocaban con el teclado. Fué revolucionario. Quizá su uso no era sencillo y había que dedicar muchas horas para lograr un pasaje creíble, pero traía algo a nuestras manos que hasta hacia pocos años parecía imposible. Es un programa que sigue usándose hoy en día, aunque casi siempre junto con otras librerías nuevas que han ido resolviendo algunas de sus carencias.

Y es que, como no podía ser de otra forma, las mejores librerías las tenemos actualmente. En los últimos años dos de ellas se han hechos muy conocidas en el sector de la producción musical, sobre todo para aquellos que trabajamos para medios audiovisuales: Voxos de la compañía Cinesamples y Requiem que actualmente distribuyen en dos versiones diferentes 8dio y Soundiron (los antiguos Tonehammer). No son tan verstiles en cuanto a la reproducción silábica pero son mucho más contundentes y creibles en cuanto a sonido, sobre todo en los “marcato” del que cualquier trailer cinematico suele hacer uso.

Tras estas librerias y lo más reciente ha sido por parte de 8dio El coro de niños “Liberis” publicado hace un par de años y por parte de Soundiron, el coro de voces masculinas Mars publicado el año pasado. Cada librería va incorporando mejoras con respecto a las anteriores.

Lo último en cuanto a samples de coros será publicado en el próximo mes de Mayo por Soundiron, un coro de mujeres, Venus, programado para la última versión del sampler Kontakt (pero que funcionará con alguna limitación en la versión anterior) pensado tanto para funcionar en solitario como para hacer de pareja al impresionante coro de hombres Mars. Ambas librerías fácilmente se convertirán en el estandard actual en cuanto al sampler de coros se refiere. Hasta que salga la siguiente...

Dejo a continuación algunas demos y las caracteristicas técnicas de Venus (en ingles) que ya nos ha avanzado Soundiron:

 - 25,734 samples
- 26.7 GB installed
- 2 Room positions (close and far), created from a blend of 12 large diaphragm Neumann microphones
- Specifically designed for easy surround sound mixing, mix customization and resource efficiency
- A chorus of 33 professional singers from Volti, the SF Symphony Chorus and the SF Choral Society
- Ah, Eh, Oh and Oo true polyphonic legato with pp/ff layers and improved fluid real-time transition speed control. Also includes bonus "Mm" pp true legato
- Over a dozen unique sustaining vowels (ah, ay, eh, ee, ih, mm, oh, oo and more) with independent round-robin variation on attack, sustain and release elements
- 48 staccato sylables with 4x round-robin, including several standard vowel dual-layer pp/ff staccatos for dynamic scoring
- 36 marcato words (infinitly sustaining w/release syllables and round-robin) with pp/ff dynamic layers
- Customizable Marcato word-builder system with hundreds of possible sustaining word combinations. Combine a variety of attack, sustain and release consontant and vowel components
- Combined Staccato/Marcato 16-step phrase sequencer with up to 16 assignable pattern presets
- 10 100bpm Latin slow Polysustains w/ tempo synching
- 18 100bpm Russian slow Polysustains w/ tempo synching
- 11 140bpm Latin fast Polysustains w/ tempo synching
- 12 140bpm Russian fast Polysustains w/ tempo synching
- Whispered Sustains, Staccatos and Marcatos
- Droning Sustains, Staccatos and Marcatos (dissonant, harmonic and atonal spoken)
- Sustaining Half and Whole-tone trills
- Dozens and dozens of harmonic and dissonant clusters, swells, sweeps, risers, falls, shouts, and other essential choral effects of all kinds.
- 4 Soloists (2 Soprano and 2 Alto) w/ staccatos, polysustains, melodic phrases and whispers
- Russian (Church Slavonic) and Latin lyrical content taken from the Angelic Salutaion ("Ave Maria")
- Bonus Melodic Phrases
- Tempo-synching and time-stretching presets optimized for Kontakt 5
- A deep collection of custom ambient soundscapes, drones, pads and atmospheres.
- Integrated DSP effects and custom convolution impulses included
- Fully automatable custom user interface.
- Designed for full integration with the Mars Men's Symphonic Choir library
- High speed Continuata download solution w/ standard web server back-up option

Release date: May 1, 2012

"Un lugar donde compartir"

Alfonso del Corral, un compañero músico y docente, ha inaugurado un nuevo blog en el que compartirá de forma desinteresada algunos de sus trabajos (el subtitulo del blog: "un lugar donde compartir" lo dice todo). En su primer post nos presenta una colección de libros dedicados al estudio del ritmo. En total más de 5000 paginas! dirigidas tanto a estudiantes como a profesores.

Alfonso es profesor de guitarra en el Taller de Música Jove de Valencia y compagina sus clases con la publicación de libros dedicados a la enseñanza musical. Se espera que para mediados de este año publique un nuevo libro dedicado a la armonía moderna. Por mi experiencia con Alfonso y su interés en que los alumnos aprendan las cosas “por su nombre”, algo que comparto, pienso que merece la pena estar atentos y no perderle la pista.

Ticket to ride ¿El septimo grado rebajado (VIIb) o una particular modulación a D?

Hace poco un alumno me preguntaba, de nuevo, por una progresión aparecida en un tema de los Beatles. Digo “de nuevo” porque estadisticamente (igual es coincidencia) son muchos los alumnos que se interesan por el uso que hacían los Beatles de algunas formulas armónicas.

En este caso me preguntó por la sucesión de acordes en el estribillo de “Tacke to ride”. La cual él no entendía a pesar de que, como decía, le sonaba bien y muy familiar. La respuesta podría ser precisamente esa: Si suena bien es válido. Pero nos quedaríamos bastante cortos si lo que pretendemos es dominar su uso, generar melodías o “solos” sobre esas progresiones. En definitiva, adoptarlas a nuestro propio lenguaje.

La parte A del tema se encuentra inmóvil armónicamente. No deberíamos dudar de que nos encontramos en A mayor, entre otras cosas porque no aparece ningún otro acorde aparte de ese y cuando lo hace es mediante un II – V (Bm - E).

Estar mucho tiempo sobre un mismo acorde equivale a vivir durante años en el mismo barrio, en la misma vivienda. El día en que viajas sientes una cierta añoranza y apego hacia tu casa. Por lo cual el día que regresas sueles sentir una sensación reconfortante, íntimamente asociada a las raíces que dejaste allí (a menos que odiaras vivir en ese lugar, entonces seria otra historia...) La sensación será mayor cuanto más exótico sea ese viaje.

El acorde de A juega desplazando su tercera en los arpegios (A sus2) para darle movimiento a esa congelación armónica. Poco antes de llegar a la parte B pasamos por Bm y E mayor, un II - V de A que resolverá en el inicio del estribillo con F#m: VI de A (cadencia rota que confirma la tonalidad de A mayor).

Entonces nos encontramos con la progresión del estribillo:

F#m D7 F#m Gmaj7 F#m E A

¿De donde sale ese Gmaj7?

Bueno, la respuesta en principio parece sencilla. Se trata de un VII grado rebajado: un VIIb. Algo muy usado dentro y fuera de los Beatles (A Hard day´s night por dar otro ejemplo: En su estrofa, en tono de G utiliza el acorde de F - un VIIb - ).

Su uso proviene de un intercambio modal: Si no llevara una 7ª mayor diríamos que nos lo llevamos de Am:

La - Si - Do - Re - Mi - Fa - Sol

Pero al ser la 7ª mayor el prestamos en realidad se justificaría (en la teoría de forma aislada) viniendo de A dórico:

La - Si - Do - Re - Mi - Fa# - Sol

Mi alumno ya tenia su respuesta más inmediata pero deteniéndome en lo que sucede en la melodía de la voz me percaté de esto: Curiosamente durante la aparición del acorde de Gmaj7 la voz realiza un reposo sobre la nota C#. Nota que no se encuentra ni en Am ni en A dórico:

¿Nos vamos entonces a A mixolidio que contiene el conjunto de notas que aparecen en el estribillo? Si, ¿no?:

La - Si - Do# - Re - Mi - Fa# - Sol

Aunque llegados a ese punto...¿Qué es más sencillo: Pensar en A mixolidio o directamente en D mayor (que es vecina de A mayor, la tonalidad principal del tema)? (a pesar de que aparece con un 7 de dominante... enseguida lo explicamos). 

Re - Mi - Fa# - Sol - La - Si - Do#

Pienso que ambas visiones son correctas. El modo de trabajar de cada uno. El modo, por ejemplo, de usar un escala ,si se pretende realizar una melodía sobre esta progresión, nos hará decantarnos por una perspectiva u otra. Si alguien siempre enfoca las escalas desde una perspectiva tonal mayor o menor le será más cómodo verlo como una particular modulación a D. Pero si uno esta habituado al uso de los modos, en concreto el mixolidio (uno de los más usados) no tendrá problemas en verlo desde esa tesitura modal.

Mi visión personal es que desde el principio la tónica A se ha consolidado lo suficiente como para mantener su atracción gravitatoria incluso con un planteamiento modal diferente. El discurso melódico general me llevaría a no plantearme ninguna modulación y conservaría A como centro tonal en toda la pieza. Pienso además que es en realidad lo que se pretende (aunque sea simplemente por una intención intuitiva)

El cuanto al D7, por cierto, el uso de séptimas de dominante en acordes de tónica o subdominante puede aparecer en varias ocasiones en estructuras “Pop” debido a la influencia de géneros como el Blues. Con lo cual lo tomaríamos como una nota de adorno (a tener en cuenta si realizamos una melodía entre medias) sin darle muchas más vueltas.

La vuelta a casa al entrar de nuevo en escena el acorde de E, es llamativa y el calificativo de “reconfortante” que usábamos al principio, en la comparación con un viaje, probablemente sea de lo más adecuada.

Juan Ramos

Nota: El motivo de que algo suene “bien” es porque nuestra mente lo detecta familiar o no demasiado alejado de lo que suele escuchar (eso no tiene porque excluir el efecto sorpresa). Por lo tanto la respuesta que nos parezca menos rara o más cercana a lo que conocemos, al analizar una progresión, debería ser la elegida. La cual ,por el mismo motivo, no tiene porque ser valida para todos, ni siquiera valida para nosotros mismos a lo largo de todo nuestro aprendizaje.

Aprender la base del solfeo en dos clases. ¿Lo intentamos?

Esta claro que no vamos a incluir en estas breves lineas todo el contenido de la asignatura de Lenguaje Musical que en España son 6 cursos completos en el conservatorio.

Evidentemente este artículo tampoco puede incluir los años de practica que se necesitan para escribir y leer con fluidez sobre el pentagrama.

El objetivo es explicar las bases en las que se desarrolla este lenguaje de escritura y lectura para aquellos que no lo conozcan o que abandonaron las clases al poco de comenzarlas. El objetivo de estos dos artículos es que a partir de ellos puedas (no sin mucha paciencia) “descifrar” una partitura. Dicho de otro modo, entender el sistema para que, aun sin poderlo leer con la soltura de alguien que ha entrenado durante las clases correspondientes que se realizan en las escuelas con la práctica progresiva que es necesria, pueda,como mínimo , intuir lo que esta ocurriendo al menos en trazos generales. Esto pienso que puede ser verdaderamente útil para aquellos que usan la tecnología para leer o escribir partituras (programas de edición como por ejemplo Sibelius, Finale, Guitar pro, etc), o escriben en sistemas alternativos o específicos de instrumento como la tablatura.

En la escritura musical se utilizan principalmente dos elementos: Las figuras de nota y el pentagrama sobre el que se colocan. Luego existe una extensa lista de símbolos que ayudan matizar y a completar hasta el más mínimo detalle la música que ha de sonar.

Para escribir y leer música necesitamos que nos indiquen dos factores: La altura del sonido (si es un Do, un Re, etc...) y la duración.

La altura de sonido:

La interpretamos según la posición de la nota sobre el pentagrama. Puede estar colocada en un espacio o en una linea, cada posición sobre la que asciende es una nota más de la escala diatonica

Para averiguar a partir de que sonido se organizan cada una de las notas se usa la clave que se coloca al principio del pentagrama. La clave de Sol, por ejemplo, nos indica que la nota sol se encuentra en la segunda linea del pentagrama. Por lo tanto a partir de ahí, en el orden de notas de la escala diatónica, sabemos que el siguiente espacio sera la nota La, luego la siguiente linea la nota Si, el siguiente espacio la nota Do, etc...

Si la melodía supera de manera ascendente o descendente la extensión de las cinco lineas del pentagrama, se usaran lineas adicionales:

Existen siete claves diferentes, aunque las más usadas son la clave de Sol y de Fa en cuarta linea. Pero tambien estan en vigor las claves de Do en 1, 2, 3 y 4 linea, y la clave de Fa en 3 linea.

Estas se usan principalmente para evitar el uso excesivo de lineas adicionales y abarcar todo el espectro sonoro (al menos el tradicionalmente usado). Pero también son muy útiles para que el interprete (mediante un entrenamiento adecuado) pueda transportar de una forma más sencilla, y sin tener que reescribir la partitura, el contenido del tema a diferentes tonalidades.

Una indicación muy usada es la de "octava alta/octava baja" que se coloca sobre un pasaje y automáticamente lo transporta ascendente o descendentemente una octava (o más si así lo indica).

Como decía las notas se escriben en un orden diatónico, para las notas alteradas cromaticamente se usan los símbolos de sostenido y bemol que elevan y disminuyen respectivamente un semitono la nota junto a la que esta colocada. El efecto de estas alteraciones dura hasta el final del compás desde el momento en el que aparecen. El símbolo para anular su efecto antes de que este se anule por si mismo al cambiar de compás es el Becuadro.

Si aparecen al principio del tema, tras la clave correspondiente, las alteraciones se mantienen durante toda la pieza. Esto se denomina armadura. Las armaduras pueden cambiar varias veces durante el transcurso de una pieza ya que están relacionadas directamente con la tonalidad y los cambios de esta.

Bien, esta ha sido la "primera clase" de solfeo. Como explicaba al principio es un resumen que aspira a que aquel que no haya estudiado nunca este lenguaje pueda tener una visión general (muy general por supuesto, pero si conocemos esto lo demás es más de lo mismo) de lo que sucede en una partitura. Y que quizá sirva de punto de partida para el autodidacta. En la segunda (y ultima parte) explicaremos la base de la escritura rítmica y lo mas importante, un pequeño "truco" que nos permitirá "descifrar" ritmicamente cualquier partitura que nos encontremos, aun sin haber estudiado solfeo.

Juan Ramos.

(Imagen cabecera: n-ko)

El viaje acústico. Novedad literaria, musical y gráfica.

El viaje acústico es una obra literaria, gráfica y musical que narra el viaje de un músico desmemoriado a su país natal. Una versión de La Odisea de Homero en la que el protagonista recorre una geografía fantástica y mitológica. La narración alterna textos recitados y pasajes musicales con textos escritos, ilustraciones, y secuencias gráficas.

Autor: Victor de la Nuez de la Portilla





ISBN: 978-84-8103-626-8
Editorial: Cabildo Insular de Gran Canaria, Departamento de Ediciones
Año de la edición: 2011
Encuadernación: Rústica con solapas
Formato: 25x22
Páginas: 210
Idiomas: Castellano
Tipo: LIBRO (incluye CD)

Fuente: Prensa/El argonauta

Novedades en literatura: "Conversaciones sobre música"

Título original: "Gespräche über Musik" Estas "Conversaciones sobre música" entre Wilhelm Furtwängler, uno de los mayores directores de orquesta del siglo XX, y Walter Abendroth, reconocido crítico musical a la vez que compositor, se desarrollaron en 1937. Cada una de ellas tuvo un tema central: la influencia de la obra musical en el público; las distintas posibilidades de interpretación; lo dramático en las composiciones de Beethoven y también sobre su Novena Sinfonía (recuérdese la legendaria interpretación de esta obra que Furtwängler llevó a cabo en la reapertura de los Festivales de Bayreuth en julio de 1951); la creatividad en la interpretación; sobre el compositor y la sociedad; y, finalmente, sobre la música tonal y la atonal. Vivas y llenas de espíritu, estas conversaciones, dirigidas a un amplio círculo de lectores, ofrecen las múltiples experiencias y las maduradas ideas de un artista de primer orden sobre las preguntas y los problemas que su arte suscita. 

ISBN: 978-84-15277-29-3 Editorial: El Acantilado Año de la edición: 2011 Traductor: Joan Fontcuberta Gel Encuadernación: Rústica con solapas Formato: 13,5x21 Páginas: 112 Idiomas: Castellano Tipo: LIBRO PVP aprox: 16,00

Fuente: Prensa y El Argonauta

Novedad literaria: Filosofía de la música del futuro: Encuentros y desencuentros entre Nietzsche, Wagner y Hanslick

Filosofía de la música del futuro, un libro imprescindible para entender la culminación del Romanticismo musical, ahonda en la reforma operística que realizó Wagner hasta transformarla en la obra de arte total, en el drama musical. Para ello, hizo falta que la música del Romanticismo experimentara una dialéctica tripartita de la música instrumental. En un vértice se situaba la música pura, en el otro, la programática y, como resultado de ambas, la música absoluta, que, siendo diferente a ellas, en parte, conservaba algo que les era común. Es en este escenario donde aparecen dos protagonistas que acompañan a Wagner en esta aventura: Nietzsche, por un lado, y Hanslick, por el otro. El primero para darle un impulso voraz a su proyecto de restituir el auténtico espíritu de la tragedia griega y el segundo para atacar visceralmente el lado más expresivo de la música en pro del formalismo musical.

Editorial: Prensas Universitarias de Zaragoza
Año de la edición: 2011
Encuadernación: Rústica con solapas
Formato: 15x21,5
Páginas: 124
Idiomas: Castellano
Tipo: LIBRO
Precio apróximado: 16:00€

Fuente: Prensa/El argonauta